以往
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“无声诗：有声事”
陈海燕 & 陶艾民 2019年06月22日 - 09月1日 墨斋画廊即将隆重呈现陈海燕与陶艾民的双人展“无声诗：有声事”。展览将围绕普通女人日常生活中鲜为人知的故事、秘密、梦境以及真理等元素展开，以多元化的艺术作品和呈现方式展现女人勇于发声，勇于分享，将“无声”变为“有声”这一过程所带来的强大力量。 继续 -
骨与肉
李津 2019年03月22日 - 06月2日 “骨与肉”全方位展现著名画家李津在1980和1990年代的艺术历程，特别是数次旅居西藏的影响。在异地文化和生态环境自我放逐的李津，对生命和肉体存在产生了截然不同的感悟。这不但改变了他的绘画语言和人物造型手法，更是他日后的《饮食男女》系列及《自在》系列水墨大写意作品的精神底蕴。 继续 -
水墨四艺
刘丹，水松石山房主人，徐累，曾小俊 2019年03月13日 - 03月29日 来自北京的墨斋画廊即将首次参加纽约亚洲艺术周的官方项目，汇集四位在鉴赏和收藏界均负盛名的水墨艺术家——刘丹、水松石山房主人、徐累、曾小俊——带来展览“水墨四艺”。 继续
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不可能的仙山
冰逸 2018年10月13日 - 2019年01月6日 墨斋画廊荣幸地宣布：冰逸在墨斋的第二次个展”冰逸：不可能的仙山”将于2018年10月13日开幕。画廊的一层展厅将呈现冰逸的浸入式装置艺术《峨眉飞瀑》，并首次公开展示她的全新水墨绘画《波相考古学》系列。在三楼展厅，墨斋还将首次展出冰逸的绢本水墨绘画《不可能的仙山》系列，揭示了冰逸著写的《山水论》中的基本美学和概念悖论。 2018年春天，冰逸在柳江完成了大地水墨项目《峨眉飞瀑》。在干涸的瀑布上，冰逸搭建了200米长的白色画布结构。墨的奔涌记录了它沿着天然垂直地质结构流淌而下的痕迹；在另一处，冰逸将巨幅宣纸铺满了一条无名山道，用水墨进行多次涂刷和渲染，并在以后的日子里，让宣纸和墨受到重力、风、湿度、气压、冷凝、雨水、阳光、地形等多重自然因素的随机影响，从而生长出天地之间的真切共鸣。 2015年至2017年，冰逸以日渐消失的北京胡同为主题，拍摄了电影三部曲《废墟》。这是目前能见到之最完整和清晰的水墨电影故事长片。《废墟》三部曲在复杂人物关系中，以现场激发和即兴方式进行创作。它通过前后十七次反复循环的现场拍摄，揭示出日常生活普遍蕴含的废墟属性。冰逸为电影写就了一部1600行的长诗剧本，名为：《废墟的十二种哲学》，发表于先锋文学杂志《花城》杂志2018年第二期。 在《波相考古学》系列作品中，冰逸用墨的暗光来探索“存在”这一动态系统中非线性或循环时间的科学概念。冰逸认为，艺术家将身体和神经系统的波动、循环圈或声音，与世界上无数嵌套及包含存在的声音产生共鸣。在这气韵、能量的共鸣之中，主体与客体之间的界限消失了。艺术家因此可以感知世界并被世界感知。 同时在展览中呈现的还有冰逸的古典绢本水墨新作《不可能的仙山》。她在这些作品中创造了这样一个似曾相识的朝代。并将其命名为“莲朝”。冰逸借《莲朝》系列手卷，创造了这个优美朝代“经、史、子、集”的各种形态。从皇帝诏书，到观星用经文，冰逸版本的“伪经”，是她通过绘画对诗文时空的完整制造。 在这套共九幅的手卷中，冰逸以精心绘制的写意山水和娟秀的小楷，或以诗歌的形式，阐述了《山水论》九章的内容。冰逸的《山水论》从本体论和未来学的角度，对中国山水画的历史和理论进行了全新阐释。冰逸在其中探讨了山水画理论的内在悖论和审美推演，展开了绘画创作、赏析和生活之间的关系。冰逸深信：山水是主观的投射，也是客观的现实；山水既是自然，又是文化的隐喻；而绘画既是创造又是消亡；山水是自觉的境界，也是无知觉的境界。冰逸笔下的山水是微观和宏观世界的互察，也阐释了人类跟山水之间注定的亲密又异化的关系。此外，在长达5米的绢上作品《一尘千山》中，冰逸从一粒尘埃中凝视万千宇宙，陈述了冰逸心中所见“无穷境”的世界，与2015 年巡展的手卷作品《囙：千里江山》相互相应。 继续 -
文字与自然
徐冰 2018年07月14日 - 09月23日 “我坐在山上，面对真的山写‘山’……在河水的地方写‘水’字。云在移动、山色变化、风吹草动、生灵出没；我兴奋地记录它们！”
——徐冰描述他1999年在喜马拉雅山脉的旅行，写于2013年 继续 -
行影支离
郑重宾 2018年03月24日 - 06月3日 墨斋荣幸地呈现常驻美国加州与中国上海的艺术家郑重宾的全新个展——《行影支离》（Walking Penumbra）。展览将于画廊周北京期间的2018年3月24日开幕，并持续至5月27日。本展览将首次呈现郑重宾的跨学科艺术实践，涵盖他最新创作的影像和探索光与空间的浸入式装置、丙烯和影像雕塑，以及最近完成的绘画作品。这种实践全面探索了我们所生活的物质世界，并深度研究了人类在这个世界里与天地万物共同生长的同时，如何建构我们自己和我们所理解的真实。 继续
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影窟
2017年11月18日 - 2018年01月19日 《影窟》引领观者在感知体验中，探索物质世界的灵性和神性，复原图象被现代审美所压抑的更多维度。艺术品在此被重新仪式化，成为救赎和觉醒的媒介、自觉的戏剧性幻想、经验愉悦和伤痛的躯体、渴望与虔诚奉献的对象。 继续 -
印痕
戴光郁 2017年09月10日 - 10月28日 《印痕：参与和抵抗的艺术》首次从观念层面追溯并梳理行为艺术家戴光郁三十余年的突破性行为艺术实践。 继续 -
地脉
杨诘苍 2017年06月10日 - 08月12日 杨诘苍个展《地脉》首次系统性地梳理其《千层墨》系列作品从1980年代至90年代末的发展历程。 继续
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宇·宙·观
泰祥洲 2017年03月18日 - 05月14日 泰祥洲标志性的天象水墨作品颠覆了绘画成规，使观者抽离惯常的观看方式，重新召唤人类对宇宙奥义的敬畏和遐思。 继续 -
冬影鸾鉴
魏立刚 2016年12月10日 - 2017年02月12日 《冬影鸾鉴》首次全面挖掘魏立刚当代书法实践的文化意义。 继续 -
乱书
王冬龄 2016年09月17日 - 11月20日 乱书作为一种从根基上颠覆传统书法艺术的新书体，是王冬龄长期艺术实践积累蜕变而成的突破性创新。 继续
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自在
李津 2016年05月28日 - 08月14日 李津将对色彩细腻的渲染，升华为传统“墨分五色”的精妙，展现出缤纷喧哗背后磨练而成的笔墨世界。 继续 -
水墨与心灵
《水墨：现象与阐释》系列展之二 2016年03月19日 - 05月12日 群展《水墨与心灵》探索水墨媒介与理性、情感、知觉、记忆、道德、欲望、甚至想象之间的密切联系。 继续 -
王道至柔
何云昌 2015年10月17日 - 2016年02月6日 “王道至柔”标志着行为艺术家何云昌艺术探究的一次重要转折，折射出其艺术造诣及个人心境在逆流不屈、翻越巅峰后，延展开的更为开阔、宁静、平和的境界。 继续
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层层天墙
郑重宾 2015年05月30日 - 09月23日 郑重宾第二次在墨斋画廊举行的个展“层层天墙”，展示其最新画作及光线与空间装置作品，包括于威尼斯欧洲文化中心同时展出的环境录像装置。 继续 -
囙
冰逸 2015年03月21日 - 05月3日 墨斋画廊荣幸宣布将于2015年3月21日举办艺术家冰逸在国内的首次重要个展"冰逸：囙"。 继续 -
过程 · 心神 · 山水
李华生 2014年11月29日 - 2015年01月31日 李华生：过程·心神·山水 继续
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水墨与身体
《水墨：现象与阐释》系列展之一 2014年09月21日 - 11月15日 '水墨与身体'是墨斋画廊举办的首场群展，也是计划的三场系列群展的第一场，其它两场将分别是'水墨与心灵'和'水墨与世界'。 这三场展览将从现象学角度来探讨水墨主题、艺术家、观众三者之间的关系。 '水墨与身体'旨在研究水墨与身体的种种互动：毋庸置疑，人体是创造和感知艺术的载体。一件好的水墨作品，是艺术家用他高度灵敏的直觉完成的，它像镜子一样，能照出艺术家在创作时的精神状态。'水墨与身体'群展将是一个深入研究中国水墨问题的切入口。 在众多当代中国水墨作品中，人体不仅是创作的对象，它还有更直接的作用。最明显的例子是直接用身体做为某种媒介来表现。例如，中国裸体行为艺术第一人王蓬的《84行为艺术》，以及张羽正在创作的《指印》系列。张羽作品中的每个指印都是人体与生俱来的识别印记。戴光郁精心策划的富有挑战性的行为表演，也以人体为媒介，并将水墨作为个体存在的营养，或某种仪式中使用的圣水 。 陶艾民专注于人在世间的行动。她拓印木质的洗衣板，捕捉上面不断重复的痕迹。雕塑家钱绍武和画家李津则将人像作为表现对象。钱绍武致力于将西画中的立体人体形象转化为水墨，李津幽默地嘲讽了个体在当代中国社会中的角色 。版画家陈海燕作品中的生动场景源于她的个人梦境，她的色彩运用受到了表现主义画家及著名画家赵无极的启发。 还有一些艺术家利用人体的象征性进行创作。例如，张春红用精细的笔触描绘了她自己和姐妹的长发，以此来象征人际关系和个体在世界上的位置；黄致阳描绘了人体所呈现的宇宙能量；郑重宾通过抽象的人形来表达心灵世界；杨诘苍采用更加抽象的方式来诠释孔子的名言'三人行必有我师焉'。书法家王冬龄思考人体图象、运笔和有千年发展史的书法字体间的关系。 系列群展之'水墨与心灵'与'水墨与世界'也将在两年内举办。这三场群展作为一个整体，将全面阐释中国水墨的哲学思想。每场展览都配有宣传手册，三个展览全部结束后，还将出版一部研究书籍。墨斋的水墨系列书籍具有深入的学术见谛和丰富精美的插图，并将由美国重要当代艺术出版商D.A.P发行。 继续 -
还是花鸟 山水画
杨诘苍 2014年05月18日 - 08月31日 墨斋画廊《还是花鸟 山水画》将展出杨诘苍的一系列既不安定又独具美感的作品。权利、暴力与恐惧是杨诘苍绘画的核心；同时，艺术家也重视形式的超越、自我的升华以及博爱的表现。杨诘苍引人入胜的精湛技巧，让人紧张甚至恐惧，亦使人感到极度缺乏人性的荒谬与超然。 杨诘苍的艺术实践追求极致和参与，这使其在中国传统水墨画中独树一帜。十八世纪末十九世纪初，西班牙画家戈雅（1746－1828）创作了《战争灾难》和《狂想曲》系列版画。至此，欧洲艺术家便习惯于将评论社会愚事和灾难视为己任。相反，中国的水墨艺术家始终坚守儒、释、道的信仰，作品与之相应地体现出诗书画相结合的特色。作为当代艺术家，杨诘苍拒绝了中国传统身份而选择了社会行动者的角色。 此前，杨诘苍将唐、宋和元代佛教壁画中浓丽的用线与工笔、花鸟画法相结合，创造出描绘战争、屠杀、恐惧、毁灭、财富和权力的画面。其中最广为人知的是曾在2003年威尼斯双年展，及2013－2014年“古法今用：纽约大都会博物馆当代水墨艺术大展”中展出的《会叫的风景》系列。本次画展展出的作品都是艺术家的最新之作。作品沿袭了之前的画风。《还是花鸟画》临摹了希特勒的花卉作品。《芥子园》之一隐喻着死亡的风景。《紫光土》则来源于《十一日谈》系列作品，描述了动物间跨越物种的情爱。 杨诘苍在笔墨的表现性上同样才华横溢。他在作品中运用了写意的技法，这与传统中文学，如诗歌中的比兴手法有异曲同工之妙。这次展览中，杨诘苍用这种方式创作了各类作品，有些作品是尖锐的片段，有些是战时的个人图象，还有些是艺术家本人的训告，如《不许动作》、《什么都很重要》及《鞭》。主要作品《战后1914－2014》描画了一位丢盔卸甲的落魄士兵和他的战马，背景是消失在远方的遭受炸毁的城市。一对雕塑作品《花少年》和《铁拐李》展现了一个青年满怀希望，又遭到严重残害的不同状态。 今年恰逢第一次世界大战开始一百周年，正如作品《战后1914－2014》名字所强调的，我们可以把整个展览看成是对避免大规模灾难和暴力的警示，自然本身是中立的，希特勒所画的花卉也是花卉，反映人类愚行的风景依然是风景。 早在学生时代，就读广州美术学院的杨诘苍就秉承了“异己分子”的立场，这与文革期间青年造反派的风气息息相关。毕业之后，杨诘苍试图退出艺术界，转而参禅学道。这段经历促成他之后求简的画风。从1988年移居欧洲至今，杨诘苍仍频频往返于巴黎和海德堡。1989年，他参加了中国美术馆举办的“中国前卫艺术大展”，并在巴黎蓬皮杜艺术中心参与了“大地魔术师”的展览的现场制作。之后，他的作品曾多次参加国际重要展览。仅以近五年为例，其中包括“以退为进”（外滩美术馆，上海，2014年）、“古法今用：纽约大都会博物馆当代水墨艺术大展”（大都会艺术博物馆，纽约，2013年-2014年）、“原道”（香港艺术馆，香港，2013年）、“上海双年展：重新发电”（上海当代艺术博物馆，上海，2012年）、“世界属于你”（格拉斯宫，弗朗索瓦皮诺基金会，威尼斯，2011年）、“Hareng Saur”（比利时、根特美术馆，2010年）、“里昂双年展”（里昂，2009年）、“谁会惧怕艺术家？皮诺艺术收藏展”（迪纳尔博物馆，迪纳尔，2009年）。 过去五年中，杨诘苍还在各大美术馆举办个展，如：深圳华美术馆（2012年）、雷恩当代艺术中心（2011年）、 The Associazione Culturale Cantiere d’Arte Alberto Moretti-Galleria Schema （2009年）。今年，他还将在德国汉堡Phoenixhalle举办个展“杨诘苍：我常做坏事”。 收藏杨诘苍作品的公共机构包括香港艺术馆、香港大学美术博物馆、深圳画院、广州美术馆、美国斯坦福大学坎托艺术中心、伯克利艺术博物馆、福冈市美术馆、汉堡工艺美术馆、墨西哥城现代艺术文化中心、华盛顿世界银行、洛克菲勒基金会、法国文化部。私人收藏包括弗朗索瓦皮诺基金会、瑞士尤伦斯基金会、台湾国家文化艺术基金会及台湾诚品画廊。 林似竹博士（Britta Erickson）是墨斋的艺术总监和本次展览的策展人，现居于美国加利福尼亚帕洛奥图。林博士作为独立学者与策展人曾多次为华盛顿赛克勒美术馆（2001-2002）和斯坦福大学坎特视觉艺术中心（2005）策划重要展览。2007年，她参与策划了以水墨艺术为主题的成都双年展。此后，又作为特约策展人筹划了2010年在旧金山亚洲艺术博物馆举办的“上海：城市中的艺术”展。林女士还是香港“水墨会”和北京“三影堂摄影艺术中心”顾问委员会成员，以及《典藏国际版文选》和《亚太艺术杂志》编委成员。2006年她荣获福布莱特奖学金，以在北京调研中国当代艺术市场。林博士在斯坦福大学获得中国艺术史博士学位。 杨诘苍是林似竹博士出品的纪录片《墨咏》中十位专题艺术家之一，艺术家的工作和生活也将成为画展之后学术出版的主题。该出版物由林似竹博士担任主编，并定于展览闭幕六个月后出版，由艺术出版社D.A.P.在美国发行。 继续 -
工 ‧ 课
黄致阳 2014年03月29日 - 05月11日 墨斋荣幸地宣布著名水墨画家黄致阳（1965年生于台北）的作品展'工·课'即将开幕。墨斋画廊将做为独家协办方与中国国家博物馆共同举办黄致阳同名个展呈献艺术家的最新作品。这两场展览甄选了黄致阳以巨型动植物群为母题的《北京生物》系列中两张巨幅新作。作品宽四点七五米，长达十二点六米，是黄致阳迄今尺幅最大的画作。展品还包括黄致阳《Zoon-密视》系列中的纯抽象绢本连屏——采用高色域矿物颜料和传统水墨洒绘而成，以及近似欧普艺术追求视觉效应的《千灵显》最新系列，用以体现艺术家探寻秩序与混乱、稳定与变化之间的'德勒兹界限'。另外，黄致阳创作了两件装置作品：观众可在墨斋的影像厅内凝思微生物世界的生命起源——美国生物学家林恩·玛格里斯的'微宇宙'——或前往国家博物馆欣赏大型汉白玉雕刻装置《座千峰·龙脉》。 黄致阳的艺术作品通过当代现象学、神经学、进化生物学和深层生态学等非线性涌现的领域，桥接了古典道家、佛学和理学中整体的有机世界。尽管以水墨形象生态和高色域矿物颜料的抽象彩绘为人称道，黄致阳的艺术实践同样延伸至雕塑及聚焦生态以铜、石、竹为天然材料的公共装置。不论使用何种材质，他的作品均能揭示'人类、微生物形态、植物和其它生命存在的宇宙统一性'(林似竹)。 黄致阳1989年毕业于家乡台湾的台北中国文化大学，主修传统中国水墨。作为助推台湾八九十年代当代艺术建构的领军艺术家，黄致阳的作品被选入台北市立美术馆当代水墨展（1988）。黄致阳曾代表台湾参加第四十六届威尼斯双年展（1995），悉尼当代艺术博物馆画展（1995），并在P.S.1当代艺术中心、纽约亚洲协会、旧金山当代艺术博物馆和旧金山亚洲艺术馆举办的'蜕变突破——华人新艺术展'（1998）中崭露头角。入围纽约现代艺术博物馆的展览成为黄致阳职业生涯的转折点，之后他还参与了北京中国美术馆（1999）、台北市立美术馆（1999）、柏林Tacheles艺术中心（1999）及香港视觉艺术中心（2000）的多次联展。 黄致阳于2006年移居北京，并先后在上海当代艺术馆(2006)、台北当代美术馆(2006)和北京当代艺术馆(2007)开展。黄致阳于2011年第二次参加威尼斯双年展（第五十四届）并被选入第四届广州三年展项目（2012）。其作品同时在上海世博会（2010）、巴黎国际当代艺术博览会（2011）、迈阿密海滩巴塞尔艺术展（2011）和法国高级时装成衣设计师协会主办的展览（2010-2011）中展出。 黄致阳的作品曾被多家机构收藏，其中包括：瑞士银行艺术收藏、德意志银行收藏、新加坡巴克莱银行艺术收藏、美国大使馆内部艺术收藏、台湾高雄市立美术馆收藏、台北市立美术馆、国立台湾美术馆、广州广东美术馆及北京中国国家博物馆。 本次新展由墨斋艺术总监林似竹博士（Britta Erickson）鼎力策划。林博士现居于美国加利福尼亚帕洛奥图，作为独立学者与策展人曾多次为华盛顿赛克勒美术馆（2001-2002）和斯坦福大学坎特视觉艺术中心（2005）策划重要展览。2007年，她参与策划了以水墨艺术为主题的成都双年展。此后，又作为特约策展人筹划了2010年在旧金山亚洲艺术博物馆举办的'上海：城市中的艺术'展。林女士也是香港'水墨会'、北京'三影堂摄影艺术中心'顾问委员会成员，及《典藏国际版文选》、《亚太艺术杂志》编委成员。2006年她荣获福布莱特奖学金在北京调研中国当代艺术市场。林博士在斯坦福大学获得中国艺术史博士学位。 香港M+美术馆的资深策展人皮力博士最新指出'几代艺术家在过去30年的工作极大推动和丰富了水墨的当代表达。' 他呼吁要认真学习和研究这一现象。这正是墨斋致力发展的方向。与墨斋展览中的其他艺术家如出一辙，黄致阳的作品和生活将作为学术出版的主题。该图录由林似竹博士担任主编，定于展览闭幕六个月后出版，并由艺术出版社D.A.P.在美国发行。 预了解墨斋展览的相关信息，请联系叶杨女士（中文）ye.yang@inkstudio.com.cn 或 Henning von Mirbach先生(英、法、德语)vonmirbach.henning@inkstudio.com.cn 更多墨斋信息，请访问www.inkstudio.com.cn 墨斋展览地址： 中国北京市朝阳区机场辅路草场地艺术区红一号B1 ,邮编100015 关于中国国家博物馆展览的更多信息，请咨询张伟先生varg.zhang@icapr.cn 。或查询网站http://en.chnmuseum.cn/tabid/522/Default.aspx?ExhibitionLanguageID=386 中国国家博物馆展览地址为： 北京东城区东长安街16号天安门广场东侧中国国家博物馆南区S1展厅 展期：2014年3月28日至4月18日 继续
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墨意象
王冬龄 2013年11月9日 - 2014年01月5日 做得不够理想。但是成功的作品一定包含了我的强烈真实的感觉，因为这作品不是用手创作的，而是用心创作的。(2006) 北京墨斋 Ink Studio 画廊荣幸地宣布第三次展览开幕： 墨意象——王冬龄的抽象水墨与银盐书法。 因此作为现代书法家在艺术创作中，应当考虑书法艺术创作的现代化，让书法走向世界，在现代艺苑中大放异彩。(2009) 王冬龄（1945 年生于江苏如东）现为中国美术学院现代书法研究中心主任，是国内公认最杰出的当代书法家之一，与二十世纪十大书家，如林散之（1898-1989）、陆维钊（1899-1980）和沙孟海（1900-1992）一脉相承。王冬龄的艺术实践具有极强的实验性，涵盖了基于笔势墨韵的抽象画，将书法引入特定场所背景的行为艺术，亦或在相纸上捕捉浑然运笔的银盐书法。 我是既从事传统型书法又进行现代书法创作实验的，同时还进行一些抽象画的探索。我的体会觉得这样能相辅相成。但传统型的书法功底是至关重要的，只有在传统书法功底上真正有所崭获的人，才有可能在现代书法上有所表现与突破。同时，我又以为，具有良好书法学养的人，有可能在抽象画的创作中形成一种独特的艺术语言与风格。(2009) 王冬龄为墨斋画廊'墨意象'的开幕打造一组特别展品，将有力地呈现书法笔触与线条抽象的紧密关联。展览还包括艺术家一幅罕见的巨幅抽象水墨作品。 二十世纪期间，中国书法凭其立于抽象的渊源搭扣起中西方艺术相互借鉴的纽带。尽管中国艺术在上世纪深受西方文化的影响，但书法保持了文化的纯一性。非但不经欧风美雨的日濡月染，且为美国抽象表现主义的发展及二十世纪四五十年代兴起的欧洲非定形艺术运动推波助澜，并启发了大批知名艺术家，诸如美国抽象画家马克·托比（Mark Tobey）（1890-1976）、日裔美籍雕刻家野口勇（1904-1988）、美国雕塑家大卫·史密斯（David Smith）（1906-1965）、美国抽象表现主义画家弗朗兹·克林（1910-1962）、杰克森·波洛克（Jackson Pollock）（1912-1956）、罗伯特·马瑟韦尔（Robert Motherwell）（1915-1991）以及西班牙画家安东尼·塔皮埃斯（Antoni Tàpies）（1923-2012）。在过去的二十年间，西方抽象表现主义转而青睐当代中国书法实践——王冬龄的作品便是这一新近趋势最显著的例证。 王冬龄的创新尤为新时代重新阐释了历史性书法实践的两个方面——通过行为创造，并融合姿态抽象。他的巨幅书法表演向公众展现了人笔合一的逍遥境界；艺术家在笔端可及之处执管挥毫，肢体随墨痕扭动，观众可尽收眼底。王冬龄的书法抽象使书法的笔势、形态和空间突破了文字的局限得以释放，无异于超脱了词曲的纯然乐章。纵观二十世纪现代主义和极简主义的非客观绘画史，其弥漫着与书法的相关性与对姿态表现的早期借鉴。通过王冬龄对这一基本环节的本土发掘，书法对当代抽象的影响可谓返本还原。 抽象水墨 王冬龄的抽象水墨被称为'抽象艺术'、'书法绘画'或'书法抽象'。在这些作品中，他意识到书法与西方抽象的共通点是人类的'涂鸦'本能。然而，半世纪日复一日的笔墨训练使王冬龄的线条作品独异于西方的抽象表现画作。更重要的是，书法生于空白，一笔呵成，即兴而作，便将整体形状和空间关系表达的淋漓尽致。 因此，王冬龄抽象作品中的书法层面在于通过线条造型表达精神思想；'音乐家凭借声音展现心灵巨大的力量；画家以色彩、块面等形式探索精神与物质之间无穷的运动，而诗人依附于文字的能指和所指功能对世界进行着没有终结的诘问和感喟。作为一名书家，在线条的运动节奏中赋予某种模糊而又无法以予传达的精神力量。艺术是言说，而线条的言说则是一种独特的言说。' 对王冬龄而言，传统书法以书写训练为前提，这依靠轻松恬淡的精神状态；抽象书法则需要搜寻、探索与挖掘。书法是一种书写行为，而书法绘画是一种极具感染力的创作过程——将艺术家自由创作的行为凝结成形。 现代摄影银盐书法 在寻求现代形式表现书法的过程中，王冬龄广泛涉猎当代艺术实践中的不同表现手段。最新的尝试包括银盐书法或物影照片，这是美国现代主义艺术家曼·雷（Man... 继续 -
刻心
陈海燕 2013年09月4日 - 11月3日 我们荣幸地宣布在北京墨斋INK STUDIO的第二次展览，为您呈现艺术家陈海燕的水墨与版画作品。 陈海燕（生于1955 年）是当今国内最重要的木刻版画艺术家之一。同时，她在水墨画上也建树颇丰，两种创作形式——版画与水墨——已在她的艺术过程中紧密相连。其版画题材实现了传统精英美学与粗旷的地方品质、风格与形式的完美融合，这包括源自无意识的梦境意象，流淌出一股无与伦比的情感倾诉。 中国东北工业区的童年经历与之后在杭州的江南生活为陈海燕的艺术注入了独树一帜的风格，豪迈中透留古雅，雄浑中暗藏瑰丽。陈海燕的孩童时代大多在营口郊区祖父母的农舍里度过，与周遭的花鸟林兽朝夕为伴。20 世纪70 年代陈海燕初入城市猎奇，但当时的艺术无一例外地提倡宣传画，而艺术教学也注重利用写生来创造基本的实体形象。后经辗转，陈海燕迁至杭州求学于浙江美术学院（现中国美术学院），温婉柔情的水乡风貌和黄宾虹等人文画大师的雅致卷幅引起了她的注目与衷情。兴趣盎然坚持作画的同时，陈海燕开始学习版画。版画在中国固然历史悠久，但直到20 世纪30 年代共产主义者才意识到版画的传播价值，而将其作为一项高雅的艺术，一些受木刻艺术家凯绥·珂勒惠支Käthe Kollwitz 影响的艺术家们也对这一沟通强烈情感的有效途径心驰神往——寻觅中国艺术中缺憾的元素。 20 世纪80 年代陈海燕开始记录梦境日记，并将此习惯延续至今。那时，陈海燕因公创作了许多迎合当时政治的工厂或其它反映社会主义进步题材的画作，而梦系列只面向高品位的小众。陈海燕现今的所有画作和版刻均取材于她的梦境日记，主题由日常生活延展至超现实想象：在跳蚤市场买手表的梵高；与巨猫共舞的艺术家；西湖中一个庞大的人造冰山；老房子里追逐嬉戏的鸟儿。从创作伊始在木板上绘制水墨图案，陈海燕的版画便突显了笔墨与雕刻（传统篆刻）的相互关联以及构图中图形与背景相协调的重要性——在同一作品中，陈海燕常在浮雕与凹雕间游刃转换。陈海燕谈到：'我的作品需要用毛笔在木板而非宣纸上构图，首先在木块上挥洒写意，然后雕刻时更加认真地具化心中的画面而道成实形。'画面旁侧刻琢了日记中的梦之语，图画与文字相映成趣——中国传统绘画中的不朽精华。 无论是小幅精品还是大篇宏卷，陈海燕皆能驾轻就熟。她将壮美的气韵融入用色大胆的彩墨画中，而高达2.5 米或8 英尺的版画也同样气势磅礴。陈海燕避开了方便快捷的机器印刷，采用手工印画的方式，先在板上滚好油墨，覆上画纸，然后用牛角反复细细打磨。上墨与磨画均需要重复三次，以求油墨力透纸背，才能印出精致的纹理。手工印制一幅画虽需要耗时一日，但产生的却是令人惊叹的清晰线条和荡气回肠均匀墨色。 陈海燕在创作巨幅版画时运用了她在笔墨和空间构图方面的大师功力——汲取了版画创作越趋大型化的经验——琢造不朽佳作。与众多中国伟大的近现代书法家、篆刻家及画家如赵之谦、吴昌硕和齐白石类似，陈海燕平衡了苍劲的篆刻笔触与对比度强烈的饱和色彩。但较之版刻先辈们遵从传统绘画的大写意或'豪放而具有表现力的书法用笔'，陈海燕的大型版画能更好地适应当代艺术。 陈海燕现任杭州中国美术学院（前浙江美术学院）版画系资深教授。此次展览属陈海燕大型水墨画与版画作品的首次合展。墨斋顺应了目前中国当代水墨画方兴未艾，令人振奋的发展潮流。在即将推出的展览项目中，墨斋将陆续呈现一系列重要艺术家如何在过去几十年积极探究与发展笔墨纸砚这千年古语下现代创新的无限可能性。这些艺术家的作品正吸引着国际上越来越多的评论与关注。'墨斋'的使命在于通过精心策划的展览项目向公众展示最优秀的当代水墨，配以深度的艺术评析，学者见谛，并出版英汉双文的画语录。 如需更多信息，请联系盛洁，info@inkstudio.com.cn 继续 -
占物术
郑重宾 2013年05月26日 - 08月4日 郑重宾（1961年，生于上海）是中国新兴水墨背景下最著名的艺术家之一。纵观其艺术生涯，他系统地解构并融合了中国古典和当代欧美艺术实践中的抽象之源。郑重宾曾未背弃80年代初期在国内严苛的水墨训练，吸纳并融合美国抽象表现主义、意向画派与极简主义的精髓。通过中美传统艺术手法新鲜活透地相互渗透，郑重宾的画作同东西方艺术史均可和谐共鸣，取长补短，相得益彰，最终突破自身樊笼，得以自由。表相观之，两类传统互为悖逆，但彼此存在深度类同，从而使融合得以实现。例如，郑重宾与抽象表现主义艺术家杰克逊·波洛（Jackson Pollock）克同样依靠可控机遇；但与波洛克不同，由于受过常年古典水墨的洗礼熏陶，郑重宾能够精准地预知创作过程的最终结果。郑重宾的精粹证明，21世纪作为艺术跨国主义的契机，将释放出巨大的潜力。 在1984年，郑重宾毕业于杭州浙江美术学院国画系（现为中国美术学院）。杭州在诸多方面仍然是中国古典美学传统的主要继承地之一。在校学习期间，郑重宾曾受众多传统水墨名师的言传身教，畅享直接观摹重要历史遗作的乐趣，据郑回忆，这些著作是当时集中学习和讨论的对象。美院毕业后，郑重宾受邀加入美院教职工团体，任职四年。80年代国内早期的艺术改革曾激起不同凡响的思潮与辩论。郑重宾凭着旺盛的求知欲与强烈的好奇心，在此期间不断地提问平日的教学与研究，对博大精深的艺术传统发出挑战。 郑重宾目前的艺术创造着眼于利用材料与技巧表达当代精神，其中的一些材料与技巧已沿袭数千年。特点在于利用在墨中加入丙烯这种新型的结合，郑重宾不仅为作品中的白色部分弥足了正面价值，而且使其呈现出一种固态材料的质感。由于融入了厚实的丙烯，墨便不仅仅作为体势或形貌的载体，而被富于一种材料的存在感。因此，郑重宾的画作不但可以作为二维虚幻空间中的图像来解读，更给人一种物化材料的真实体验。尽管郑重宾作品所表达的美学语言无疑可放诸四海，但他从未脱离中国传统水墨中的一条深刻定律，这条定律正与当代激进艺术形式中的某些实践恰有异曲同工之妙。气韵或'风神'描述了艺术家如何将物自有的生命力灌注于他的创作。这种冲粹通过对画作的感官体验直接授予观众。这样观画者不仅是被动的受众，而且成为艺术作品创意表现的主动参与者。 继续
